Si miras al cielo durante mucho tiempo, el cielo también te mirará a tí…Todo lo que fotografiamos, nos devuelve la mirada.

En todo este proceso, el fotógrafo quizá sea origen circunstancial, pero nunca es “causa” en mi opinión.

Las playas del Cantábrico, en bajamar, descubren las mas lujosas salas de exposición de esculturas vivas.
Fotografiar este silencioso espectáculo le hace a uno usar la cámara con parsimonia y respeto, como ante un gran templo abierto al viento.

De esa, quizá aparentemente extraña pero fundada, relación entre el lenguaje de la arquitectura y el de la fotografía.

De cómo se organizan los sintagmas de grises y las geometrías en una fotografía.

Del placer de poder ser cómplice de todo esto.

Es realmente difícil fotografiar lo “menos”, lo esencial, pero buscarlo, eso es ¡un placer!

Los faros (itsasargiak / luces de la mar) siempre son preciosos y mágicos, sin mas.

Son una constante en mi trabajo, quizá una de las mas divertidas…puro juego.

Cada vez aparecen mas sencillos en el visor, sin retruécanos ni curvas encriptadas: sencillamente “presentes”, pertenecientes a un futuro anterior que fluye aliado y sin fricción con la cámara.

Haré pronto una pequeña recopilación de muchos de ellos a lo largo de estos últimos cinco años en una pequeña galería. Os dejo este, tan sencillo, como muestra.

… 

Las zonas de sombra que se alojan en talón de la curva densitométrica de nuestros archivos, se resiente especialmente con estos intentos que delatan ese horroroso ruido que resta presencia y calidad general a la imagen.

Uno de los procedimientos mas sencillos y eficaces es aplicar una máscara que module el contraste en Photoshop (por ejemplo).

En Contracampo (foro de fotografía) Paco Martínez escribe un pequeño tutorial para aplicar este recurso traído de Luminous-landscape y hace una referencia igualmente a su autor, Richard Pahl que publicó “La máscara de contraste digital” en la revista PCPhoto.

Transcribo aquí su contenido en la confianza de que pueda seros útil:

(Paco Martinez)

Se puede emplear para recuperar luces requemadas e iluminar sombras, produciendo un incremento sensible en el rango dinámico de la fotografía.
El procedimiento es sencillo:

1. Crear una Capa. En la “paleta de capas”, seleccionar la capa de Fondo haciendo click sobre ella. Elegir entonces el comando Capa – Duplicar capa. A la nueva capa, darle el nombre “Máscara de contraste”. (Si existiera alguna capa de ajuste previa, desplazarla debajo arrastrando la nueva “Máscara de contraste” encima de ella en la paleta de capas)

2. Convertir la capa en monocroma. Con la capa “Máscara de contraste” seleccionada, ve al menú Imagen – Ajustes – Desaturar.

3. Invertir la imagen de la Capa. Con el comando Imagen – Ajuste – Invertir. Esto convertirá la capa “Máscara de contraste” en una imagen negativa.

4. Fusionar la Capa. Haciendo click con el botón derecho sobre la capa “Máscara de contraste” en paleta elegir Opciones de fusión. En el cuadro “Modo de fusión”, selecciona la opción Superponer.

5. Difuminar la capa. Para no visualizar los detalles de la capa original, usaremos el comando Filtro – Desenfoque – Desenfoque gaussiano, con un valor de 10 a 30 píxeles. (Es necesario probar para poder encontrar la cantidad óptima de desenfoque).

6. Modificar la “opacidad” hasta lograr el efecto deseado.

Aquí podéis ver un ejemplo de su uso, este es un enlace a la prestigiosa página “luminous-landscape”.
http://www.luminous-landscape.com/tutorials/contrast_masking.shtml
Para facilitaros su uso he hecho una acción que automatiza el proceso, la tenéis abajo.
En la fotografía que sirvió para hablar de esta técnica podéis observan la diferencia en el histograma antes y después de aplicar esta acción.

Descargar Acción Máscara de Contraste

El Sistema de Zonas nació de mano de Ansel Adams inicialmente como un modo de sistematizar los parámetros que intervienen en el proceso fotográfico de exposición, revelado y positivado, con un carácter eminentemente didáctico (1939-40).
Trataba de facilitar el proceso de abstracción implícito en la traducción de la realidad a una escala de grises.
Inmerso en el movimiento de los Naturalistas americanos, intentaba construir un sistema que propiciara una actitud reflexiva sobre el proceso fotográfico que hiciera de este una paleta fidedigna para la plasmación exacta y completa de los referentes sobre los que trabajaban, casi siempre relacionados con las naturaleza en sus diversas manifestaciones.

Se trataba de construir un sistema que trasladara la huella de lo real al soporte fotográfico del modo mas objetivo posible, en el que la naturaleza del propio medio fotográfico, fundamentalmente la física y la química inherentes al mismo, fueran “correa imparcial de trasmisión” en cuanto a la propia materia natural que los soporta. Sus leyes emanan de la misma naturaleza y por tanto son el vehículo adecuado para reproducirla sin alterarla.

Pero pronto tanto él como Minor White o Edward Weston, otros de los grandes impulsores del Sistema, comprobaban cómo algo que nacía con una vocación puramente analítica se transformaba en una especie de “paleta interpretativa” que facultaba el abordaje del acto fotográfico bajo diversas claves, bajo diferentes a prioris.
La escala de grises pasa de ser una especie de tabla periódica de los elementos a ser un matraz de decantación del gran abanico constructivo que alberga el acto fotográfico en sí mismo. Lo que nacía como raíl, se transformaba en encrucijada plural y abierta que impulsaba todo un espectro de interacción entre sujeto (fotógrafo), proceso (medio, técnica fotográfica) y referente (objeto).

“Primariamente el fotografiar es un acto de descubrimiento y reconocimiento basado en la intención, experiencia, función o en una idea.” (Ansel Adams)

La esencia del método se basa en la traducción de la realidad a una escala de grises de ONCE paquetes para los que ellos acuñaron por primera vez el concepto de ZONA.

Pero antes de meternos en materia, hagamos un pequeño apunte sobre fotometría.

Los fotómetros, como cualquier aparato de medida, son calibrados respecto a una base que se toma como patrón, derivada en general de los ensayos empíricos que aconsejen la elección de un “dato base”.
En este caso, y dicho de un modo coloquial, es como si en el laboratorio se hubiera remezclado toda la paleta de la reflexión de la luz sobre los objetos y se hubiera puesto a girar hasta obtener una mezcla ponderada de ellos.

Este dato se fijó en una reflectancia del 18% como media, y este es el parámetro que actualmente se usa para calibrar los fotómetros.
Esto quiere decir que cualquier objeto, conjunto de objetos o escena en general, serán interpretados en base a este dato.
En general, cuando en la escena hay una mezcla equilibrada de tonalidades (la mayoría, claro), el fotómetro obtendrá una medición fiable, pero no siempre será así.
Siempre que un paquete de tonalidades predomine sobre el resto, habrá una desviación de este dato que nos llevará irremisiblemente a sobre o subexponer la toma.

Un dato concluyente que ilustra este extremo se visualiza fácilmente haciendo un sencillo experimento:

Cogemos un folio blanco, una cartulina negra mate y una carta gris de Kodak o cualquier otra superficie mate que sea un gris de tipo medio. Los situamos bajo una iluminación uniforme y los fotografiamos atendiendo a la medición que nos de el fotómetro sobre dichas superficies.
En fotografía química observaremos que la densidad de los negativos o diapositivas en los tres casos es exactamente igual y en fotografía digital veremos que los valores de densidad de los archivos armados de este modo, medidos por cualquier herramienta de software, son también iguales y correspondientes a un gris medio.

Por tanto, si medimos una pared encalada al sol, el fotómetro no lo sabrá y lo interpretará como un gris del 18%. Lo mismo ocurrirá con la sotana de un cura de los de antes, o con los brillos predominantes de la superficie especular de un líquido, cromados o cualquier otro material de una reflectancia muy superior o inferior a la medida patrón.

Es en estas situaciones donde se requiere la actitud analítica e interpretativa del fotógrafo para compensar las desviaciones posibles y obtener así una exposición correcta.

Partiendo de este dato de calibrado del fotómetro, siempre podremos utilizarlo como referente enfrentado a un objeto que sí que cumpla ese supuesto. La cartulina gris 18% de Kodak o cualquier otro objeto que sepamos anticipadamente que cumple esta premisa.

A partir de aquí, el Sistema de Zonas propone una especie de empaquetado de grises típicos separados por un stop (diafragma/velocidad. Un EV.) que pretende describir paso a paso las gradaciones tonales posibles del referente a fotografiar, partiendo de este gris base del calibrado fotométrico y asignándole un valor medio encajado en lo que será ya la ZONA V.

La gama de grises no corresponde con una traducción real de la escala, que sobre todo en los tonos bajos presentaría una discriminación menos evidente.

De la zona 0 a III se ubicarán los tonos bajos, en las zonas IV, V y VI los tonos medios y en las zonas VII a X irán los tonos altos.

Dentro de este rango encontramos las zonas en las que se logra el máximo de textura (zona III a zona VII inclusive).

Dentro del rango dinámico o gama tonal (zona I a zona IX) encontramos las zonas donde se aprecian densidades visibles sobre el soporte más el velo de base del negativo, y tonos diferenciables en la copia entre el negro puro y blanco puro.

Valores bajos.

Zona 0: Negro máximo del papel, negativo sin exponer.

Zona I: Primera densidad visible en el negativo sin textura, (Umbral efectivo) Tono gris casi negro en la copia sin textura.

Zona II: Primera insinuación de textura. Son los tonos más oscuros de la imagen pero con cierta sensación de materialidad. Tonalidades profundas, las partes más oscuras de la imagen donde se desea algún tipo de detalle.

Zona III: Rotunda sensación de textura. Las cosas se reconocen porque se ven de qué están hechas (madera, piel negra en sombra, tela, etc.). En esta zona podemos ubicar el promedio de tonos bajos en paisajes o escenas abiertas.

Valores medios.

Zona IV: Podremos ubicar el lado en sombra de un rostro de raza blanca retratado tanto al sol como en estudio. Promedio de follaje oscuro, piedras oscuras o paisajes en sombra

Zona V: Gris medio. Cualquier cosa que refleje un 18% de la luz que recibe cae en esta zona: piel morena iluminada, madera oscurecida a la intemperie. Todos los fotómetros se calibran para Zona V.

Zona VI: Ubicamos aquí por ejemplo el lado iluminado de un rostro de raza blanca, la palma de la mano, piedras claras, sombras sobre la nieve en un paisaje iluminado por el sol.

Valores altos.

Zona VII: Piel muy blanca (nórdica). Nieve limpia iluminada con luz rasante lateral. La textura es perfectamente apreciable. En esta zona podemos ubicar el promedio de tonos altos en paisajes o escenas abiertas.

Zona VIII: Por ejemplo, los brillos en un rostro de raza blanca o las partes más claras, pero con insinuación de textura, en una pared blanca.

Zona IX: Blanco sin textura. El cielo totalmente nublado, que aparece en la copia como un gris muy claro, pero ligeramente más oscuro que la base del papel fotográfico.

Zona X: El blanco puro del papel fotográfico que no ha sido expuesto a la luz. También fuentes de luz en la imagen. Blanco total fuera de rango.

La visualización de la escena bajo esta repartición en paquetes de densidades cuantificados de modo sucesivo con un stop de diferencia, nos ayudará a previsualizar en B/N (o color) los resultados reales de un modo anticipado, pudiendo “ver donde caerán” las diferentes partes de la escena en esta escala, o lo que es mejor, haremos asignaciones conscientes de las ZONAS, decidiendo así de un modo voluntario los resultados obtenidos mediante la exposición elegida.

En los próximos artículos veremos de forma mucho mas pormenorizada qué otros factores inciden sobre esta sistematización visual y fotométrica, y los iremos acotando para ir cerrando cada vez mas esta “horquilla de incertidumbre” que implícitamente ha supuesto hasta ahora la elección de la exposición para nuestro material sensible, tanto película como sensor.

Aunque entre el proceso químico y el digital hay diferencias cualitativamente mas que significativas, encontraremos suficientes paralelismos para establecer puentes de entendimiento global entre ambos. Este es al menos el espíritu de este artículo.

La retroalimentación, el juego entre la fotografía de arquitectura y la “arquitectura de la fotografía”, es un registro sin fondo. Siempre nos muestra argumentos que, descubiertos en este juego/diálogo, nos abren pautas de anticipación ante nuevas situaciones fotográficas. Enriquecen la sintaxis y posibilitan nuevas dialécticas para el acto fotográfico.

Ansel Adams, los naturalistas, aportan claves imprescindibles para enfrentar los paisajes.

Las técnicas didácticas que desarrollaron son claves para la “interpretación” de una escena mas allá de procedimientos; es el propio sistema de interpretación que proponen la llave que ayuda a deconstruir lo real y trasvasarlo a haluros de plata –ahora pixels–.

Lejos de las propuestas que pueblan la red desestimando el “Sistema de Zonas” para la fotografía digital, algunos creemos mas allá de toda duda que hoy, dentro de este marasmo de sofware, es mas importante que nunca basar nuestro trabajo en “la raíz para la comprensión de la fotografía”.

Ahora, Adams, Weston…nos hacen quizá mas falta que nunca.

Esta foto intenta ser otro “guiño” mas a su trabajo.

Una reseña : Aquí y Aquí